MC2201
Music Production
2201 – ITA
di Max Carola
E’ oramai da diversi anni che passo le mie settimane a missare brani provenienti da ogni parte del mondo. E incredibilmente, i problemi che riscontro sono sempre molto simili. E riguardano, per la maggior parte, svariate forme di indulgenza durante la registrazione dei brani.
Uno dei problemi più ricorrenti, sempre più frequente in questo nuovo mondo degli “home-studios” è la incapacità di operare una sana revisione del materiale registrato per arrivare ad una sintesi che sia efficace e poco ripetitiva. Con questo voglio dire che spesso confondiamo e sovrapponiamo la fase creativa e quella di analisi e rifinitura eccedendo spesso nella tolleranza. Intendo dire che a volte non si ha il coraggio di eliminare idee o cose che, pur non convincendoci del tutto, non ci sentiamo di eliminare. Eppure se lo facessimo, saremmo costretti a trovare qualcosa di ugualmente utile, ma magari più efficace.
Ed è per questo che, memore dei miei primi esperimenti di registrazione del 1975 con il mio primo 3340S, registratore a 4 tracce, cerco sempre di dare un estremo valore ad ogni tracce che registro, come se non ne avessi a sufficienza per fissare tutte le idee che mi vengono. Sono infatti convinto che la forza dei brani prodotti fino alla fine degli anni ’70, che ancora oggi sono considerati efficaci, non risieda tanto nella tecnologia “analogica”, mitizzata oltremodo, ma nella capacità di essere “produttori”, di catturare l’essenziale senza annacquare le registrazioni con idee minori. Non avendo piste in abbondanza, si tendeva a eliminare le idee meno efficaci, conservando solo quelle in grado di imprimere una netta personalità al brano.
Ed è forse proprio in questa mancanza della figura del “produttore”, cioè di una mente esterna, meno coinvolta emotivamente, che crea il problema maggiore. Infatti chiunque abbia provato la strada della “auto-produzione” conosce bene il dilemma e sa per esperienza che è un abbraccio mortale il cercare di produrre se stessi mentre si prova ad essere creativi. E’ praticamente impossibile, o estremamente difficile, essere creativi, spontanei e disinibiti se una parte della nostra mente è impegnata a soppesare, giudicare e analizzare quello che facciamo. Si finisce per andare in blocco, di non essere mai soddisfatti di quello che creiamo.
Infatti, grazie alla mia pluri decennale esperienza in questo campo, ho finalmente imparato a tenere separate le varie fasi. Quando sono in fase creativa tendo a sospendere il giudizio, a evitare l’analisi approfondita di quello che creo. Magari seguo ogni piccola intuizione e le do forma, la catturo. Poi, dopo qualche tempo, o anche subito, ma in una fase successiva, analizzo, comparo e razionalizzo il materiale che di istinto ho generato. Sembra difficilissimo ma è meno complicato di quello che sembra. Basta provarci. E si diventa sempre più efficienti a mano a mano che si impara a separere le fasi.
La sorpresa sarà quella di scoprire che le idee che sopravvivono sembrano avere una logica, una forza ed una attinenza che solo le grandi idee posseggono. Un segno di ciò è quando quella idea, a cose fatte, appare ineluttabile, l’unica possibile.
In questo processo aiuta moltissimo avere ben chiara la struttura formale del brano a cui lavoriamo, sia in termini di forma che di arrangiamento, di organico.
Per quanto riguarda la forma, è un vasto argomento che cercherò di affrontare in un altro momento.
Per quanto attiene all’arrangiamento, all’organico, per un brano popolare, suggerisco uno schema semplice, che non deve sembrare obbligatorio, ma solo uno spunto di riflessione.
Il mio ragionamento segue questo schema:
A – La base – Basso e Batteria
B – Il ritmo – Chitarra ritmica, piano, ma anche percussioni.
C – Il Pad – Sottofondo ritmico armonico
D – Il Lead – la parte solistica – Canto, Assoli etc
E – I Fills – Contrappunti, risposte, frasi di riempimento.
Nel mio schema tendo ad avere una sola idea per ogni punto della mia lista, in ogni parte della struttura.
Ad esempio, nella introduzione del brano la A sarà affidata solo al basso, con la batteria che accenna una idea ritmica differente e quindi si colloca nella B. La C viene affidata a un piano rhodes che appoggia gli accordi, la D non c’è ancora perché siamo nella introduzione, e la E è affidata alla chitarra solista.
A seguire, bella prima strofa la A è nelle mani di basso e batteria, che lavorano “locked” cioè insieme con accenti che sono sincronizzati, la B è affidata alla chitarra ritmica, la C al rhodes che allunga i suoni. La D è la melodia cantata dalla voce solista, e la E si insinua negli spazi lasciati dalla melodia per rendere interessanti e indimenticabili quei momenti.
Per quanto schematico possa apparire questo modo di pensare, ci mette al riparo dal rischio di immettere troppe idee contemporaneamente nella stessa parte. E questo renderà molto più semplice cogliere il fascino del brano per l’ascoltatore.
Una bella analisi che segue questo schema la potete trovare in un interessante libro che analizza la scrittura di svariati classici del rock:
https://www.alfred.com/bobby-owsinskis-deconstructed-hits-classic-rock-vol-1/p/00-40553/
2201 ENG
by Max Carola
For several years now, I have been spending my weeks mixing songs from all over the world. And incredibly, the problems I encounter are always very similar. And they concern, for the most part, with various forms of indulgence while recording the songs. One of the most recurring problems, more and more frequent in this new world of “home studios”, is the inability to carry out a good revision of the recorded material to arrive at a synthesis that is effective and not very repetitive. By this, I mean that we often confuse and overlap the creative phase and that of analysis and refinement, often exceeding tolerance. I mean that sometimes we don’t dare to eliminate ideas or things we don’t feel like eliminating, even if we don’t fully convince ourselves. Yet if we did, we would be forced to find something equally valid, perhaps more effective. And that’s why, mindful of my first recording experiments in 1975 with my first 3340S, 4-track recorder, I always try to give extreme value to every track I record, as if I didn’t have enough to fix all the ideas that come to me. I am convinced that the strength of the songs produced until the end of the 70s, which are still considered adequate today, does not reside so much in the “analogue” technology, mythologised beyond measure, but in the ability to be “producers”, to capture the essential without watering down the recordings with lesser ideas. Not having tracks in abundance, there was a tendency to eliminate the less effective ideas, keeping only those capable of giving an unmistakable personality to the piece. And it is perhaps precisely this lack of the figure of the “producer” of an external mind, less emotionally involved, that creates the most significant problem. Anyone who has tried the road of “self-production” knows the dilemma well and knows from experience that it is a deadly embrace trying to produce yourself while trying to be creative. It is practically impossible, or extremely difficult, to be creative, spontaneous and uninhibited if one part of our mind is busy weighing, judging and analysing what we do.
We end up going to block, never satisfied with what we create. Thanks to my decades of experience in this field, I have finally learned to keep the various phases separate. When I’m in the creative phase, I tend to suspend judgement to avoid in-depth analysis of what I create. Maybe I follow every little intuition and shape it, capture it. Then, after some time, or even immediately, but in a later phase, I analyse, compare and rationalise the material I instinctively generated. It seems very difficult, but it is less complicated than it seems. Just give it a try. And you become more and more efficient as you learn to separate the phases. The surprise will be to discover that the ideas that survive seem to have a logic, strength and relevance that only great ideas possess. A sign of this is when that idea, after the fact, appears inevitable, the only one possible. This process helps to clearly understand the formal structure of the piece we are working on, both in form and arrangement, of organic. As for form, that’s a vast topic that I’ll try to address at another time. As regards the arrangement, the organic, for a popular song, I suggest a simple scheme, which should not seem mandatory, but only food for thought. My reasoning goes like this:
A – The base – Bass and Drums
B – Rhythm – Rhythm guitar, piano, and percussion.
C – The Pad – Harmonic, rhythmic background
D – The Lead – the solo part – Singing, Solos etc.
E – The Fills – Counterpoints, answers, filler phrases.
In my outline, I have only one idea for each item on my list, in each part of the outline. For example, in the piece’s introduction, the A will be entrusted only to the bass, with the drums hinting at a different rhythmic idea and placed in the B. The C is entrusted to a Rhodes piano which supports the chords, the D is not there again because we are in the introduction, and the E is entrusted to the lead guitar. Next, in the first verse, A is in the hands of bass and drums, which work “locked”.
That is, together with synchronised accents, B is entrusted to the rhythm guitar and C to the Rhodes, which lengthens the sounds. The D is the melody sung by the lead voice, and the E creeps into the spaces left by the melody to make those moments exciting and unforgettable. However schematic this way of thinking may appear, it protects us from the risk of entering too many ideas simultaneously in the same part. And this will make it much easier to grasp the song’s appeal for the listener. An excellent analysis that follows this pattern can be found in an interesting article.
https://www.alfred.com/bobby-owsinskis-deconstructed-hits-classic-rock-vol-1/p/00-40553/
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